琴海音乐世界

作曲家潘德累斯基

    潘德累斯基的音乐最引人瞩目的是他的音乐效果，也就是所谓起“音色音乐”。为了达到这种效果他创造了很多新的记谱法、演奏法。这些是一些全新的符号系统，这些符号为每一件乐器指出了其专门化的所需要表达的效果。这些符号中没有包含任何常规的记号和常规的演奏方法。我们可以举几个例子来看一下。比如：表示在一个不确定标准音的乐器上演奏出警可能高的音。
    等等这些很难捉摸的演奏技法！大部分的演奏技法在实际演奏中所获得的效果具有一定的偶然性，没有确切的音高表示必然使得每一次的演出所获得的实际音响效果在细微的在音高上有所不同。如果这些细微的不同人耳难以分辨，那么潘德累斯基所要追求的音响效果就模糊成一片音的混沌，几十个声部以微分音来同时演奏那么普通人所能欣赏到的只能是一片泛音的感觉，那么音高的感念和旋律的感念就被最大可能范围内的淡化的了，所剩下的只有节奏。在潘德累斯基六十年代左右的的作品中我们可以明显地看到大部分的作品是写给弦乐和打击乐的，即使不是明确标出写给弦乐器，比如《荧光》，弦乐和打击乐的编制也是庞大的，地位也是非常重要的。

    潘德累斯基再一次提升了弦乐器的地位，使它在他的音乐中取代了自莫扎特时代以来钢琴的地位。那为什么潘德累斯基要选择弦乐器来作为扩展音色的媒介呢？我以为因为钢琴以十二平均律来调律，每个音高感念过于明确，即使用现代的演奏技法来演奏钢琴，比如同时压下一大片琴键，出来的音效对于耳朵很好的人来说也是有明确的感念的，几十不知道具体是什么音名，大致的音区范围也是可以知道的。而小提琴就可以表现出在钢琴上根本找不到的音，比如1/4音。快速的微分音颤音和本身就没有明确音高标志的音以及庞大的声部构造，使得潘德累斯基可以找到他心中想要的音乐。于是整个印象结构就完全没有了可预知性，在一个相对划定的范围内可以出现最多可能性的音符，加上庞大的声部结构，一个非凡的复杂和多样性的音响效果就可以得到。

    潘德累斯基不同于其他现代作曲家，他们的音乐写作中那么多新颖的写作手法都是精确计算的结果，目的是为了构建一种前所未有的精巧的结构，体现一种均衡，一种全新的对称，就如同建筑师在设计建造他的建筑物一样。而潘德累斯基则如同一个中国泼墨山水画的大师，画家并不计算任何下笔处的比例方位，他追求的是最后墨汁和宣纸相交融后的效果，一个在他心中早已成型的效果。其实它的笔法构图用色都是精妙绝伦的技术，但是重点不在这里，而在最后的结果。潘德累斯基就是这样的画家，他的写作手法也是令人赞叹、可圈可点的，但是它的这些手法都是为了他说要求的音乐效果而服务的，换言之，潘德累斯基音乐中所有的取自过去或者现代的写作手法都是为了他自己热烈的情感表达而服务的。

[1] [2] 下一页